Arte | cuadros, esculturas y autores

Cómo era de esperar, de nuevo el mundo de las subastas nos ha sobresaltado. Claro, si ya de por sí, uno se puede quedar atónito ante las cantidades ingentes de dinero que se paga por una obra de arte, ni que decir tiene, la noticia de la semana.

Una casa de subastas ha sacado a la venta un cuadro pintado por Pete Doherty, ex de la modelo Kate Moss a la sazón. La obra ha alcanzado la cifra de casi 50000 euros. Hasta aquí todo normal, pero la sangre ha llegado al río y nunca mejor dicho, cuando lo que se ha vendido no ha sido más que un lienzo salpicado con la sangre que le extrajo el propio Doherty a la cantante inglesa Amy Winehouse, mientras esta hablaba con su padre por teléfono.

Con una técnica inventada por el propio músico y que él ha llamado “técnica de la salpicadura arterial”, ha rociado la tela con chorros de sangre y colores varios. La obra ha sido titulada “Ladykille” y ha sido expuesta junto con otras obras de arte y objetos personales del músico en una galería inglesa.

Los dos artistas aparte de su adicción a las drogras también compartían una relación de amistad muy estrecha. Una relación que se vió truncada cuando la cantante falleció el 23 de julio del año pasado. Y una muerte de la cual , según afirma Doherty, tanto le ha costado recuperarse.

Dicho esto, la pregunta es la siguiente: ¿pura estrategia de marketing o amistad real? Yo lo tengo muy claro y más si los actos provienen del irreverente músico. Pero desde luego, que como a algún que otro cantante, yo a mi adorada Amy se lo perdono absolutamente todo.

Recemos por el alma de la cantante y volvamos a lo negro.

Iker Landeta

( VÍDEO BACK TO BLACK )

Para todo aquel que quiera disfrutar plenamente del Renacimiento florentino, visitar la Capilla de los Magos, en el Palacio Medici-Riccardi resulta inexcusable. Además, tiene la ventaja de que siempre hay menos turistas que en otros sitios. Y, aunque nos toque esperar un poco (porque la capilla es muy, muy pequeña), cualquier espera merece la pena para entrar en ese lugar mágico.

En la primera planta del palacio, Michelozzo construyó esta capilla privada para los Medici que, Benozzo Gozzoli se encargó de decorar. Cuando uno entra al diminuto espacio, de pronto, se siente transportado a otra época y a otro lugar. Completamente rodeado de una interminable procesión de personajes y de un paisaje fantástico y detallado hasta el extremo. Todo a nuestro alrededor fascina, cautiva. Es imposible dejar de mirar a uno y otro lado.

Los frescos parecen enormes tapices que cubren las paredes de la capilla. En ellos se representa una procesión que avanza y que lleva a los Reyes Magos (cada uno ocupando una pared) hacia Belén, simbolizada aquí por el pequeños altar, sobre el que antiguamente se podía ver una tabla de Fra Filippo Lippi, La Adoración del Niño.

La galería de retratos es interminable. El detalle con el que Gozzoli pintó paisaje y personajes nos invita a intentar reconocer entre la multitud a los hombres más notables de la Florencia del quattrocento. Sin embargo, resulta difícil ponerles nombre a muchos de ellos.

Los Reyes Magos aparecen representados de acuerdo con las costumbres de la época. Melchor, el de más edad, encabeza la procesión, vestido de color rojo. Le sigue Baltasar, en verde, un hombre maduro y delgado, de tez oscura. Por último, cerrando la procesión va Gaspar, el más joven de los tres, vestido de blanco. La figura del joven Gaspar simbolizaba el ascenso de poder de la familia Medici. Por este motivo, tras él, parece que fueron representados los miembros más importantes de la misma: Cosme el Viejo, su hijo Pedro y los hijos de éste, Lorenzo y Juliano.

Autorretrato de Benozzo Gozzoli. En su sombrero puede leerse, en oro, Opus Benotti (obra de Benozzo).

La creciente importancia que la familia Medici iba ganando en la vida política y económica de la ciudad de Florencia, se manifiesta en la riqueza de los frescos de Gozzoli. El artista utilizó los materiales más selectos para la decoración de la capilla: lapislázuli para las tonalidades azules, oro y costosas y brillantes lacas para dar al conjunto ese aspecto magnífico que aún conserva; posiblemente, gracias a la ausencia de luz natural en el espacio (la ventana y la puerta por la que se accede hoy día son modificaciones hechas, a posteiori, por los Riccardi).

Nos encontramos delante de un cuadro de Tiepolo donde nos narra  según la tradición, de cómo el dios Apolo hirió un día a su amigo Jacinto al lanzar un disco en una noble competición. Un soberano alemán, el conde Guillermo de Schaumburg- Lippe, pidió al pintor veneciano Tiepolo que le hiciera una versión especial de este episodio. En esta versión no es el disco el causante de la muerte, sino una pelota de tenis lanzada con demasiada fuerza por Apolo. El gran cuadro pertenece a la colección Thyssen. Un joven de clara piel resplandeciente aparece tendido en una decorativa pose de abandono sobre un paño de seda tornasolado. Delicado y afeminado, así es como Tiepolo ha representado al amante agonizante del dios Apolo.

El pintor compuso la escena de Jacinto, el favorito del dios herido de muerte, entre 1752 y 1753, por lo menos eso piensan los estudiosos de la obra de Tiepolo. Por aquel entonces el veneciano era uno de los pintores mas afamados de toda Europa. La luminosidad de sus obras, el brillante colorido y el gusto por los personajes hermosos e idealizados, respondía perfectamente a los gustos de los aficionados del arte.

El conde Guillermo contaba con 28 aproximadamente cuando pidió la realización de este cuadro. Había nacido en Londres donde su padre ocupaba un puesto importante en la corte de Jorge I. Había estudiado en Ginebra y en Leyden, hablaba un francés muy elegante y amaba la música. Apreciaba mucho la pintura, y ya en su juventud había comprado grabados de francés Callot.

El conde de refinado sentido artístico conocía naturalmente las Metamorfosis de Ovidio, una de las obras indispensables en la formación clásica. En el X libro se cuenta la historia de Jacinto que amaba a Apolo. Los dos amigos se divertían con los deportes. Según Ovidio el fuerte sentimiento de culpabilidad atormentaba al dios. Existía un fuerte sentimiento de culpa por parte del dios. De hecho, Apolo hizo que de la sangre del adolescente brotara una flor que desde entonces lleva su nombre.

Nuestra primera parada será un notable edificio florentino. Nada menos que un palacio. El primer palacio urbano renacentista, de hecho. Es posible que muchos ya lo conozcan. Pero, desafortunadamente, suele ser mucho más frecuente que quien haya viajado a Florencia haya pasado, repetidamente, por delante de él sin tan siquiera fijarse. El Palacio Medici-Riccardi.

Como puede deducirse de su nombre, el palacio está indisolublemente unido a la más célebre y poderosa de las familias florentinas de la época, los Medici. La dinastía fue fundada por Cosme el Viejo (1389-1464), conocido como Pater Patriae, quien conjugó la fortuna familiar con una notable habilidad política, para convertirse en uno de los hombres más influyentes de su época.

Al igual que sus descendientes, Cosme fue un gran mecenas que supo aprovechar el genio artístico florentino para dejar pública constancia de su creciente poder. A tal efecto, en 1444, encargó a Michelozzo di Bartolomeo, más conocido como Michelozzo, la construcción de un palacio familiar en la vía Larga, que sentó las bases del nuevo estilo urbano del Renacimiento. El arquitecto combinó en el nuevo edificio la tradición palaciega florentina con el creciente interés por el pasado romano, para crear un modelo que sería largamente imitado.

Grabado de 1684 en el que se aprecia el Palacio Medici

A mediados del siglo XV, Florencia derogó las leyes que controlaban la expresión del poder personal a través de la arquitectura. Este cambio de política hizo posible que Cosme el Viejo y Michelozzo concibieran el nuevo Palacio como una metáfora del poder, la riqueza y la influencia política del primero.

Para que nos hagamos una idea clara del poder de los Medici, baste decir que fue necesaria la demolición de más de 20 casas para dejar espacio al palacio. En su interior contaba con más de 40 habitaciones, organizadas en torno a un patio central, y con una capilla privada para la familia. Este último detalle nos da una idea más clara de la influencia creciente de la familia. En 1422 Cosme el Viejo obtuvo una dispensa papal, de Martín V, para disponer de un altar portátil en su residencia. Lógicamente, en el palacio se proyectó una capilla que pudiese albergar el altar y potenciar su exclusividad frente al resto de familias florentinas. Como colofón, la capilla se hizo decorar con frescos de Benozzo Gozzoli y, hoy en día, son la principal atracción del edificio (pero de ella hablaremos en el siguiente post).

Vista general del palacio desde la esquina sur

Al exterior, el palacio de Michelozzo da la impresión de ser una gran mole de piedra, que, hasta puede recordarnos a otros notables edificios florentinos como el Palazzo Vecchio. Sin duda, rivaliza con él en tamaño y grandeza. Pero, si lo contemplamos atentamente, veremos las grandes diferencias que los separan. Michelozzo concibe este nuevo edificio en tres planos horizontales que van disminuyendo en altura, según se asciende y que se rematan con una cornisa absolutamente innovadora en la arquitectura florentina. Estos volúmenes horizontales se refuerzan visualmente por medio del trabajo almohadillado de la piedra. Los sillares, especialmente los de la planta baja, recuerdan a las antiguas murallas romanas y sabemos que Michelozzo los hizo retocar para que pareciesen antiguos.

La gran cantidad de ventanas que se abren en sus tres plantas, proporcionan una desacostumbrada cantidad de luz. Y, aunque, en algunos aspectos siguen la tradición local, añaden elementos puramente clásicos como las columnillas de capitel corintio que sirven de parteluz.

En su interior, todo quedaba organizado en torno a un patio porticado, decorado con relieves y esculturas de bulto redondo, posiblemente inspirado en las descripciones de las casas romanas, hechas por Vitrubio. Desde el patio se accedía a todas las estancias del palacio, las más importantes de las cuales estaban en la planta primera, considerada el piano nobile o planta noble del edificio. En él, una de las primeras estancias en completarse y decorarse fue la anteriormente mencionada capilla, conocida hoy día como la Capilla de los Reyes Magos.

El rey Carlos I de Inglaterra compró la obra después de 1627, y en 1765 la pintura llegó a Oxford. Los ingleses se preguntaban como un pintor italiano podía haber elegido un tema tan vulgar. Nadie podía explicarse como esta obra podría estar ubicada en un lugar noble del palacio, por lo que se ubicó en la cocina. Cuando se redescubrió y se restauró, ya que tenia una gran capa de grasa y hollín, se exhibió en la gran exposición de los Carracci celebrada en Bolonia en 1965. Hoy en día es la pieza mas admirada de este museo de Oxford.

Con motivo de la celebración del 75 aniversario del bombardeo de Gernika, el programa Garfitti se ha desplazado hasta la localidad bizkaitarra para llevar a cabo el programa desde allí. Y como no podia ser menos, la sección Mirar un cuadro, la hemos desplazado de día para que tuvieramos la oportunidad de poder hablar y comentar una de las obras icono de todo el siglo XX: El Gernika de Picasso.

Desde la sección trataremos de centrarnos en todos los detalles que representó el pintor malagueño intentando descifrar que es lo que quería transmitir con cada uno de los personajes y elementos que incluyó en la obra, junto con otra serie de informaciones que serán muy interesantes. Además el programa ha preparado toda una serie de sorpresas para todos lo oyentes con motivo de la celebración que no os pòdeis perder.

Dicho esto os esperamos esta tarde a las 17,00 horas  para que esteis al corriente de todo, no os defraudaremos desde Grafitti.

Un saludo fieles blogeros

Iker Landeta

Viajar es algo fascinante y maravilloso. Pero es una lástima comprobar cómo, en la mayoría de las ocasiones, esos viajes que hacemos para desconectar de las prisas y las tensiones de nuestro día a día, acaban siendo una nueva fuente de estrés.

Quien más quien menos se habrá encontrado inmerso, seguro que sin pretenderlo, en un viaje relámpago de esos en los que acabas visitando tantos lugares y viendo tantísimas cosas que todo se confunde. Todo se diluye tanto que uno no es capaz de recordar lo que ha hecho o visto, ni siquiera ese mismo día.

Deberíamos tomarnos nuestro tiempo. Que, al fin y al cabo, las vacaciones son para disfrutar y no para correr de aquí para allá. Este ha sido el espíritu de mi último viaje. Una semana completa dedicada a descubrir Florencia (cada uno elige lo que más le gusta y a mi Florencia me encanta).

Tengo que reconocer que parte de la intención del viaje era acercarme a muchos lugares (sobre todo museos e iglesias, que son lo mío) en los que no había estado y estudiar, in situ, cosas que aprovechar en mi trabajo. Ya había estado en Florencia tres veces. Pero, desgraciadamente, en ninguna de las ocasiones pasé allí más de dos días completos. Al final, siempre había acabado visitando los mismos lugares: el Duomo, los Uffizi, la Academia, la iglesia de la Santa Croce… y pocas cosas más. Vamos, el paquete típico.

Pero, esta vez me he tomado las cosas con filosofía y una ciudad que ya me gustaba ha cambiado ante mis ojos para convertirse en un sitio fascinante, plagado de arte, de paseos y de manjares.

Durante las próximas semanas espero descubrir el arte de algunos de esos edificios y rincones que se quedan fuera de los itinerarios habituales. Espero que os entre el gusanillo y que cuando volváis a Florencia, la ciudad también os parezca distinta.

Uno de los primeros  carteles que diseñó Tolouse  Lautrec fue rápidamente un éxito absoluto. El Moulin Rouge, inaugurado el 5 de octubre de 1889, ya contaba con un proyecto del diseñador de carteles Jules Cheret, pero el que elaboró Tolouse Lautrec marcó una gran diferencia con los demás carteles debido a su escritura de color rojo llamativo, repetida tres veces y unida de manera original mediante un M mayúscula.

Tolouse Lautrec colocó como protagonistas a las estrellas La Goulue y Valentín Déssosé, que durante una temporada actuaron juntos en el Moulin Rouge. La gran novedad que aportaba esta composición era la posición escalonada de tres siluetas estilizadas, que creaban, más que el resto de la pintura, una fuerte sensación de profundidad.

Llama la atención el hecho de que en el cartel definitivo se han fusionado todos los espectadores en una única silueta, lo cual hace la escena más compacta.

La Goulue ( la glotona ) era de la Alsacia y había trabajado como lavandera; se ganó ese mote porque solía beberse lo que quedaba en los vasos de los clientes. Como fue aumentando de peso, al final ya no resistía la representación entera y perdió el trabajo.

Valentín Déssosé ( el sin huesos ) era arrendatario de un comercio de vino y le conocían en todas las salas de baile de París como el “ rey del vals “. Su constitución esquelética y su gran elasticidad le convirtieron en toda una institución de la vida nocturna parisina.

En 1796 Alois Senefelder inventó la técnica de la litografía, un sistema de impresión en el que se utiliza una plancha de piedra en la que las partes impresoras y los blancos están en el mismo nivel, y no en niveles diferentes como ocurre con la impresión en relieve y el grabado al vacío. El procedimiento litográfico requiere una piedra especial, la piedra caliza. Su particularidad reside en el hecho de que es capaz de absorber de la misma manera el agua y la grasa, y de combinarlos.

Tolouse  Lautrec nació en el seno de una familia aristocrática. Ya desde niño manifestó un excepcional talento para el dibujo. Su delicada salud y las dos fracturas de pierna mal curadas que sufre con poco tiempo de diferencia, limitan considerablemente su libertad, y son el motivo de que su madre decida fomentar su talento artístico. Tolouse Lautrec empieza tratando temas de su entorno más inmediato, que reproduce en dibujos y pequeñas pinturas al óleo.

El traslado a Paris supone para el joven pintor una ampliación de sus horizontes artísticos, ya que en la gran ciudad tiene la oportunidad de conocer las corrientes artísticas  más recientes y de exponer sus pinturas en cafés y cabarets. Se siente cautivado tanto por el bullicio de la ciudad como por las escenas de la vida nocturna.

Fascinado por la vida nocturna, empieza a plasmar sus impresiones en dibujos realizados sobre el terreno, para transformarlos más tarde en pinturas.

Montmartre se encontraba en la frontera entre el  centro y la popular zona de ocio, y debido a la atmósfera de libertad que allí se respiraba, era una zona muy atractiva para los jóvenes. Tolouse Lautrec fue conociendo a los artistas que actuaban en los locales nocturnos que frecuentaba y materializaba sus impresiones en sus cuadernos de apuntes.

Uno de sus locales favoritos era Le Mirliton ( la flauta de caña ), cuyo propietario era Aristide Bruant, interpretaba canciones sobre prostitutas, proxenetas y otros marginados. Este personaje grotesco supo apreciar su talento y colgó en su cabaret uno de sus cuadros.

En éstos locales públicos los bailes eran desenfrenados. La alta sociedad parisina se sentía muy atraída por estos placeres al límite de la legalidad y disfrutaba mezclándose entre el público.

Con su primer cartel para el Moulin Rouge, Tolouse Lautrec se convierte repentinamente en una persona conocida en todo Paris. Empieza a elaborar otros carteles y a diseñar portadas e ilustraciones para diversas publicaciones.

Querido Juan Carlos:

Cómo te has osado a marcharte de viaje privado a Botswana a cazar? Esta es la pregunta que todos los ciudadanos se plantean.

Con la que está asolando a medio país y vas tú y se te ocurre dedicarte a la caza en tus ratos de asueto. Vaya, vaya… Y va a resultar que estás pidiendo fuerza y unión a todo el país para superar esta crisis que ya se ha cargado a seis millones de parados.

Claro, encima con el avance de las tecnologías, se deja constancia de tal hazaña mediante fotografías con las presas cuales trofeos. En tiempos de tu antepasado Felipe IV, no existian tales tecnologías sino que la constancia había de dejarse mediante las pinturas. Pero aún con todo, Felipe IV no apareció retratado con sus presas, y eso que el gran Velázquez tuvo como labor retratar todas y cada una de las hazañas del rey.

Velázquez fue un pintor que quiso transmitir mediante sus obras  principalmente la IDEA. Y las ideas más importantes que transmitió en sus cuadros fueron: la educación del buen príncipe, la idea del buen gobernante, la idea de la nobleza de la pintura y la caza como ejercicio de reyes en tiempos de paz entre otras muchas. Éstas son, insisto, las ideas que nos han llegado a modo de pinturas 400 años más tarde pero, qué ideas de nuevo a modo de obra de arte llegarán 400 años después a todos aquellos ciudadanos que estudien la historia de la monarquía mediante las obras de arte? Fotos con elefantes moribundos tiroteados tal vez? Pues la verdad que yo no tengo respuesta a esto, pero eso sí su majestad, tome ejemplo si lo tuviera que tomar de su antepasado y trate de preconizar normalidad en este tan agitado panorama nacional. Trate de no utilizar la caza como ejrcicio de reyes en tiempos de furibunda crisis. Haga ese favor a los ciudadanos y vuelva a pedir perdón.

A medida que transcurría el siglo XVIII, los motivos de la pintura alegórica se hicieron cada vez más personales. Desde las relaciones íntimas en la corte francesa hasta los horrores de Goya y la obra de Fuseli, los artistas exploraron nuevos temas para expresar y simbolizar sus experiencias vitales. Ya no recurrían a las fórmulas narrativas y visuales de los mitos griegos para crear alegorías más generales a otras más personales, éstas también pasaron de representar ideales sociales y culturales y simbolizar y poner de relieve las nuevas realidades de la vida.

En Venecia, la demanda de pinturas alegóricas tradicionales continuaba, y el estilo de Giovanni Battista Tiepolo era muy apropiado para este tipo de obras. La corte francesa prefería las representaciones más personales y líricas de Jean-Antoine Watteau, Francois Boucher y Jean-Honoré Fragonard, que contrastaban con las grandes pinturas del siglo anterior. A finales del siglo XVIII, los artistas románticos crearon un repertorio completamente nuevo de temas y mensajes simbólicos.