Estrenos de Cine

El hombre que mató a Liverty Valance

El 22 de Abril de 1.962 se estrenó en ESTADOS UNIDOS EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE, una película que haría historia, o mejor la desharía.

Hablamos de la historia que había comenzado veintitrés años antes, cuando JOHN FORD realizó LA DILIGENCIA, la película que cambiaría el western, le daría profundidad, le convertiría en una leyenda y permitiría la realización de algunas obras maestras. JOHN FORD no inventó el cine, pero casi. El western, género que él mismo había practicado, fue hasta 1.939 una sucesión de aventuras de buenos y malos sin demasiados títulos memorables.

LA DILIGENCIA creó el mito. Y durante varios años diferentes cineastas levantaron una epopeya y dejaron para la historia títulos capitales del cine. El propio FORD contribuyó con PASIÓN DE LOS FUERTES, FORT APACHE o CENTAUROS DEL DESIERTO entre otras películas memorables. Pero en 1.960 JOHN FORD fue obligado por la productora a filmar DOS CABALGAN JUNTOS con un asunto muy semejante al de CENTAUROS DEL DESIERTO.

Consciente de que no podía mejorar el original el cineasta decidió asomarse al lado oscuro de esa historia. En lugar de una búsqueda romántica la recuperación de los niños raptados por los comanches sería un trabajo por dinero, la acción transcurriría en escenarios mas oscuros que las grandes extensiones de su modelo y el protagonista ya no fue JOHN WAYNE sino el mas ambiguo JAMES STEWART. Y quizá de ahí surgió su siguiente película. FORD, el hombre que creó el western decidió matarlo y contar la verdad. Y así nació EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE.

En este film se enfrentan STEWART y WAYNE. El primero (un cincuentón que interpreta al abogado RANSOM STODDARD recién salido de la universidad) representa a los nuevos tiempos, la ley, la civilización, el ferrocarril y… los políticos. El segundo (en la piel de TOM DONIPHON, un ranchero) es el hombre de la tierra, parco en palabras, rápido con el revolver, resolutivo, eficaz y enamorado difuso. STEWART irá haciéndose con el lugar que ocupaba WAYNE, curiosamente con la ayuda de este, porque ambos se enfrentan al pistolero LIBERTY VALANCE, encarnado por LEE MARVIN que representa al mal primitivo. STEWART se enfrentará a VALANCE y parece matarle. Con ello inicia su carrera política, consigue fama y prosperidad y gana el corazón de HALLIE (VERA MILES) que era también el objetivo amoroso de WAYNE. Pero fue TOM DONIPHON quien mató a LIBERTY BALANCE a traición. Toda la carrera de STODDARD se basa en una mentira, como el western, como el cine.

La conquista del oeste no fue una aventura romántica sino una sucesión de matanzas, un esfuerzo descomunal en busca del beneficio económico, unos años llenos de sangre, dolor, expolio e injusticia. Y el cine nos había hecho creer que había sido algo maravilloso. El hombre que lo empezó todo lo terminó hace cincuenta años. Para dejar claras sus intenciones FORD rodó toda la película en decorados, incluso el asalto a una diligencia, e incluyo ácidas reflexiones (DUTTON PEABODY, periodista: “los políticos son los que me dan trabajo, yo los creo y los derribo, pero yo no quiero ser uno de ellos, no podría serlo, me destruiría a mí mismo. Yo soy vuestra conciencia, yo soy la débil voz que truena por las noches, vuestro perro guardián que aleja a los lobos, yo soy vuestro padre confesor, yo soy… ¿qué mas soy?”; TOM DONIPHON: “¿el borracho de la ciudad?”), referencias a su propia historia (en el estreno de PASIÓN DE LOS FUERTES se le reprochó a FORD que no contara la historia real del duelo en el O. K. CORRAL. Y él contestó: “Cuando la leyenda es mas importante que la historia, yo filmo la leyenda”; su autobiografía se tituló IMPRIME LA LEYENDA y en esta película MAXWELL SCOTT, otro periodista, dice: “esto es el oeste, señor y cuando los hechos se convierten en leyenda no es bueno imprimirlos”), alusiones a LA DILIGENCIA (en la película no solo participan algunos actores de aquella, JOHN WAYNE, ANDY DEVINE y JOHN CARRADINE, sino que las cartas que deja sobre la mesa LIBERTY VALANCE antes de salir a enfrentarse con RANSOM STODARD son las mismas que arroja LUKE PLUMMER antes de enfrentarse a RINGO KID, por cierto LA MANO DEL MUERTO: dos ases y dos ochos) y también algo de la épica que él mismo estaba liquidando (LIBERTY pone la zancadilla a STODDARD, este se cae al suelo con los platos de comida y cuando el pistolero se ríe aparece TOM DONIPHON por la derecha del encuadre diciendo “ese era mi bistec, LIBERTY”.

Y el mundo ya no volvió a ser el mismo). Después llegarían los westerns crepusculares y los spaghetti y el género languidecería y salvo puntuales rebrotes (SIN PERDON, CLINT EASTWOOD, 1.992) el western desaparecería. Los sesenta trajeron muchos cambios, desapareció el sistema de estudios en HOLLYWOOD, los grandes maestros terminaron sus carreras, la nouvelle vague y el free cinema hicieron al cine diferente y seis meses después del estreno de nuestra película, el 5 de Octubre, se estrenó DR. NO (TERENCE YOUNG, 1.962), la primera película del agente 007. Por cierto, la misma fecha en que THE BEATLES publicaron su primer disco. El foco de la cultura popular estaba cambiando.

Félix Linares

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Vivimos los tiempos de amabilidad en el cine. Hasta los asuntos mas sórdidos están atravesados de cierta complacencia que lima aristas y embellece el conjunto.

ALMANYA es la historia de la emigración turca a ALEMANIA, pero es una historia afable. Allá va el campesino reconvertido en obrero que es recibido amablemente en el aeropuerto, trabaja entusiasta y gana mucho dinero y cuando llega la jubilación es invitado a dar una charla ante la mismísima canciller. No sabemos mucho de su tarea y aunque su casa no es un palacio bávaro en la misma escalera viven rubísimos alemanes.

Su mujer y sus hijos viven anécdotas entre lo divertido y lo cordial frente a gentiles tenderos y taxistas amables y así no es de extrañar que no quieran volver a TURQUIA. Incluso uno de ellos se casa con una alemana.

Bien, aceptamos el adjetivo querido para inmigrante. Podríamos incluso admitir la irrealidad de lo narrado porque parte de la película está contada a un niño, en una estructura fragmentada que es lo mejor de la película. Pero es que las otras partes del film son igualmente idílicas y los problemas de todos los personajes van encontrando solución para satisfacción de espectadores encantados con las civilizaciones exóticas que refleja el cine.

Desde luego como representación de la vida ALMANYA. BIENVENIDOS A ALEMANIA fracasa rotundamente. Como película para los tiempos que corren puede tener la justificación de que “mas cornás da el hambre”. Vendrán mas películas en este tono. Estaremos preparados.

Félix Linares

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El exótico hotel Marigold

JOHN MADDEN consiguió fama hace catorce años con SHAKESPEARE ENAMORADO, aquella película repleta de OSCAR y buenas críticas gracias al inteligente guión de TOM STOPPARD. Tras ella MADDEN se despistó por caminos discutibles con LA MANDOLINA DEL CAPITÁN CORELLI o LA VERDAD OCULTA, pero hace un par de años recuperó prestigio con LA DEUDA, una historia de espionaje y misterio.

Y ahora vuelve con EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD otra película perteneciente a su lado mas emotivo que, como ocurre en otras de sus películas tiende al empalago. Aquí una colección de británicos jubilados llega a la INDIA y tiene que alojarse en un hotel en ruinas con un entusiasta director al que amargan la vida su madre y el hermano de su novia.

Los pensionistas también llevan sus peculiaridades a cuestas, aunque ninguna va mas allá de los estereotipos habituales: los que huyen de la ruina económica, la que busca romances excitantes, el que se escapa de un trabajo agobiante, la que quiere recuperar la salud.

En ese hotel no conoceremos mejor a estos personajes porque todos hacen lo que tienen que hacer, lo que se espera en una película sin ideas, sin guión y con la confianza en que el espectador disfrute de la liviandad.

Estamos en una etapa en la que la crisis obliga a hacer películas de buen rollo para alivio de la población. En esto también se diferencia de LA GRAN DEPRESIÓN. No es que espere ver LAS UVAS DE LA IRA todos los días, pero no me sentaría mal encontrarme con alguna película semejante a las de FRANK CAPRA. MADDEN está muy lejos y su buen rollo no puede encubrir su vulgaridad cinematográfica.

Félix Linares

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Tres veces 20 años

La hija de CONSTANTIN COSTA-GAVRAS llega a su tercera película. Les recuerdo que su padre ha sido uno de los máximos representantes del cine político desde finales de los años sesenta. Pero poco hay de su cine en el de su hija a pesar de que esta haya colaborado en los últimos trabajos de su padre y ajustado cuentas con su figura en su trabajo anterior.

En TRES VECES VEINTE AÑOS se cuenta la historia de un matrimonio que llega a la sesentena y entra en crisis que es lo que según el tópico suele suceder. Y se proponen reinventarse. Y flirtean con el adulterio, y se interrogan por el futuro, y se proponen nuevos proyectos, y aguantan a sus hijos, y a la madre de ella, y a los nietos, pero poco. Porque todo en esta película está centrado en ISABELLA ROSSELLINI y WILLIAM HURT que van y vienen, se supone que piensan, se enfadan sin demasiado motivo, se desesperan justo lo necesario, descubren nuevos  mundos.

Todo muy leve, muy llevadero, muy civilizado, bastante aburrido. Siguiendo las nuevas costumbres los personajes secundarios apenas existen, están, pero poco sabemos de cada uno y cuando se añaden datos, como en el funeral de la abuela, es para no aclarar nada y añadir algo de confusión. Pero es una secuencia que le viene bien a la directora para enlazar con la siguiente en una de esas transiciones tópicas a las que ya nos vamos acostumbrando.

TRES VECES VEINTE AÑOS es una película para quedar bien con todo el mundo, con los que se puedan sentir afectados en razón de su edad y por todos aquellos que, tras verla, puedan pensar que ya comprenden a los candidatos a pensionistas. Pero como cine es manifiestamente mejorable. Claro que como no ofende nos permitimos recomendársela.

Félix Linares

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Cary Grant

Hace veinticinco años murió CARY GRANT y con él toda una época del cine. Guapo, elegante, aparentemente culto, desinhibidamente frívolo, ARCHIBALD ALEXANDER LEACH, nacido en BRISTOL, INGLATERRA, en 1.904 representó como nadie el glamour en la pantalla, con un encanto que le hacía bordear el ridículo sin caer jamás en él. Fue un cómico excepcional, pero también la representación de la aventura distinguida y, en algún film, un villano sutil. Y fue todo eso sin despeinarse y sin alterar el gesto.

ARCHIBALD fue un niño muy pobre, nacido en una familia donde el padre era una presencia intermitente y la madre acabó en un manicomio. Quizá esa extrema pobreza le hizo ser el tacaño que denunciaron años mas tarde quienes le conocieron. Quizá su infancia le convirtió en el hombre inseguro y dubitativo que comentaban sus parejas.

A los catorce años comenzó a actuar en garitos, cantando canciones por unas monedas, ascendiendo en el escalafón de la miseria, hasta que llegó a LONDRES donde siguió con su empeño. Una de las compañías en las que actuó emprendió la aventura americana. Y allí, en NUEVA YORK, su fama creció rápidamente siempre ayudado por sus partenaires femeninas que, al parecer, caían fascinadas por su inevitable encanto. Y así llegó hasta HOLLYWOOD donde debutó en 1.932 en películas protagonizadas por LILI DAMITA o MARLENE DIETRICH. Ese mismo año conoció a RANDOLPH SCOTT con el que compartía reparto en SÁBADO DE JUERGA.

Durante un tiempo los dos actores compartieron casa por lo que se extendieron los rumores de que tenían una relación homosexual. El estudio para el que trabajaban decidió hacer una sesión de fotos que mostrara su “viril” forma de vida, pero esas fotos parecían confirmar los rumores. Mientras tanto CARY había conocido a MAE WEST una vedette algo escandalosa, aquella de “llevas pistola o te alegras de conocerme”, que era una estrella de la pantalla.

Su apoyo y el coprotagonismo en LADY LOU y NO SOY NINGÚN ÁNGEL consolidaron su fama y de ahí pasó a trabajar con GEORGE CUKOR (LA GRAN AVENTURA DE SILVIA, VIVIR PARA GOZAR o HISTORIAS DE FILADELFIA) y HOWARD HAWKS (LA FIERA DE MI NIÑA, SOLO LOS ÁNGELES TIENEN ALAS y LUNA NUEVA) y en algunas de estas películas coincidió con KATHERINE HEPBURN constituyendo una de las parejas de mayor éxito de los años 30 y 40, aunque con la actriz con la que mas veces coincidió fue IRENE DUNNE.

CARY GRANT salió de la comedia para caer en las manos de ALFRED HITCHCOCK (que le proporcionó su papel mas turbio en SOSPECHA, el mas sórdido en ENCADENADOS, el mas distinguido en ATRAPA A UN LADRÓN y el mas aventurero en CON LA MUERTE EN LOS TALONES, película en la que, por cierto, la actriz que interpretaba a su madre era mas joven que él); actuó para FRANK CAPRA que le sirvió una gran comedia en ARSÉNICO POR COMPASIÓN y volvió a trabajar con HOWARD HAWKS en LA NOVIA ERA ÉL y ME SIENTO REJUVENECER.

Al mismo tiempo apareció en películas de nuevos realizadores como RICHARD BROOKS y JOSEPH L. MANKIEWICZ y protagonizo cuatro películas de STANLEY DONEN, la mas famosa CHARADA, su última gran película. Mientras realizaba este titánico trabajo se caso cinco veces, tuvo una hija y se retiró del cine en 1.966 cuando consideró que ya estaba mayor para hacer de galán. Sin embargo siguió prestando su figura y su nombre a diferentes marcas comerciales para las que realizaba giras por ESTADOS UNIDOS.

En el transcurso de una de estas giras, cuando iba a hacer una presentación en DAVENPORT, IOWA, se sintió mal. Pocas horas después fallecía. Tenía 82 años. Dejó tras de sí algunas películas inolvidables, un estilo inimitable y un vacío en la cima de la comedia que nadie ha sido capaz de ocupar.

Félix Linares

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Ken Russell

Ha muerto KEN RUSSELL. Aunque ha trabajado hasta el último de sus días la fama le abandonó hace casi treinta años, pero en la década de los setenta fue uno de los cineastas británicos mas famosos, y uno de los mas taquilleros. Y todo se lo ganó a golpe de polémica.

Trabajó KEN RUSSELL como fotógrafo en los años cincuenta y a mitad de la década ya comenzó a filmar cortometrajes, actividad que mantuvo hasta la actualidad. Durante algunos años trabajó para la BBC donde pudo rodar las biografías de ELGAR, DEBUSSY e ISADORA DUNCAN entre otras personas relacionadas con la música. Su trabajo llamó la atención por innovador. Y fueron tantas las alabanzas que RUSSELL hizo del exceso y la provocación su marca de la casa.

La primera película de este director que tuvimos oportunidad de ver fue EL CEREBRO DE UN MILLÓN DE DÓLARES, tercera y última de la serie de HARRY PALMER, un agente secreto que hacia la competencia a JAMES BOND desde la diferencia y que interpretaba MICHAEL CAINE. Pero RUSSELL tuvo su primer momento de gloria en 1.969 gracias a la adaptación de una novela de D. H. LAWRENCE: MUJERES ENAMORADAS.

Podría parecer que al final de la década de los sesenta unos desnudos frontales no podían escandalizar a nadie, pero vaya si lo hicieron. En algunas partes del mundo, ESTADOS UNIDOS por ejemplo, la película no ha sido exhibida todavía íntegramente.

Su siguiente película LA PASIÓN DE VIVIR era una biografía de TCHAIKOVSKI, en realidad un enorme melodrama, donde el tema central era la homosexualidad del personaje. Nuevo escándalo, nueva recaudación record.

No cesaba KEN RUSSELL en su empeño y LOS DIABLOS fue otro ejemplo de su pasión por la desmesura. Basándose en un proceso real de posesión demoníaca en un convento polaco, y con la ayuda de OLIVER REED, su actor favorito, el cineasta se permitió criticar a todos los estamentos a través de esta parábola. Llegarían después otras biografías musicales como la de MAHLER (la apoteosis del sadomasoquismo) y la de LISZT (o la vida vista como un tebeo de superhéroes); otras biografías extravagantes como EL MESIAS SALVAJE (retratando al escultor HENRI GAUDIER-BRZESKA) y VALENTINO (un repaso a la biografía del astro del cine mudo RODOLFO VALENTINO); y  musicales insólitos como EL NOVIO (un desbordante espectáculo kitsch) y TOMMY (la primera ópera rock, obra de PETE TOWNSHEND y THE WHO).

A comienzos de los ochenta KEN RUSSELL era un cineasta despreciado por los críticos y adorado por la taquilla, pero poco a poco su trabajo fue derivando hacia el ridículo y así films como VIAJE ALUCINANTE AL FONDO DE LA MENTE, LA PASIÓN DE CHINA BLUE o GOTHIC pueden ser vistos como excéntricas muestras del trabajo de un  creador desatado o como parodias de si mismos. RUSSELL volvió a intentarlo en los noventa, pero si ni siquiera un film explícitamente titulado PUTA escandalizaba ya a nadie. Pero, genio y figura, hace cuatro años, cuando ya contaba ochenta años, participó en el GRAN HERMANO VIP inglés. El escándalo fue su territorio, el exceso su estilo, el sarcasmo su firma. Todo un cineasta KEN RUSSELL. Muy personal.      

Félix Linares

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Intruders

JUAN CARLOS FRESNADILLO ha necesitado diez años y tres películas para introducirse en el mercado estadounidense. Lo cierto es que desde su primer largo (INTACTO, 2001) ya había mostrado maneras de director eficaz y creativo guionista.

Ahora con su tercer film, INTRUDERS que inauguró el último ZINEMALDIA, demuestra que sigue en forma y que es capaz de mantener el interés del espectador con muy pocos elementos. Porque el problema de INTRUDERS es que cuenta muy poca cosa, que repite las situaciones y que ni siquiera tiene una resolución adecuadamente climática para que el espectador abandone la sala con la sensación de haber visto algo intenso.

Hay en INTRUDERS un espectro que atemoriza a niños y amorosos padres y madres que luchan contra él, pero cuyos enfrentamientos nunca traspasan las barreras de lo moderadamente aburrido. El único interés que tiene la película es establecer la relación entre las dos historias que se van contando y eso no es mucho. Pero, insisto, FRESNADILLO trabaja bien el material, filma con corrección, monta adecuadamente y su trabajo es el único que tiene interés en esta película.

Quizá alguien debería haber pensado que el director debería haber sido también coguionista. No lo es y eso que perdemos todos. Seguramente el reparto de famosos encabezado por CLIVE OWEN resultará atractivo para los espectadores, pero también podemos decir que ninguno de sus componentes ha puesto demasiado entusiasmo en su trabajo, seguramente pensando que en una película de miedo el grito es el elemento que mas destaca.

Y luego quedan esas explicaciones que los responsables de una película dan acerca de las razones ocultas de su realización, aquí los miedos infantiles y los traumas no superados. Me parece muy bien, pero preferiría que además de psicoanálisis la película tuviera una historia mas sólida.

Félix Linares

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Four Lions

FOUR LIONS es una comedia. Conviene advertirlo porque el espectador puede sentirse desconcertado en los primeros minutos ya que parece extraño encontrar una película que se ría del terrorismo. Los cuatro leones de CHRIS MORRIS, en realidad cinco, son musulmanes británicos candidatos a convertirse en muyahidines dispuestos a luchar contra los infieles.

Como no están preparados para la guerra deciden formarse de diferentes maneras. Dos de ellos marchan hacia los campos de entrenamiento en ORIENTE, mientras que los demás ensayan variadas formas de preparar un atentado, entre ellas colgar explosivos a los cuervos y dirigirlos hacia el objetivo. El resultado es, por supuesto, catastrófico en ambos casos y al mismo tiempo muy divertido. Me parece que, en realidad, es divertido de manera sorprendente porque nos resulta increíble reírnos de las barbaridades que aquí se cuentan. Barbaridades que van creciendo a lo largo del film, mientras van encajando todas las piezas y nos encaminamos hacia un final que no acabamos de creer que sean capaces de alcanzar sus responsables.

Por cierto el responsable es CHRIS MORRIS, conocido actor, guionista, músico y director de programas de radio y televisión inglés que debuta de la forma mas impactante en el cine con este FOUR LIONS, donde no solo ridiculiza a los musulmanes sino a todos los que aparecen por el film, apuntando de manera muy especial a los policías, una cuadrilla de ineptos de primera magnitud.

Una de las virtudes del autor de esta película es que siempre encuentra el tono para contar las cosas mas brutales, siempre sabe hacer crecer la acción para mantenernos interesados, sabe, incluso, como terminar la película de manera satisfactoria con una serie de epílogos que enriquecen y completan lo que ya nos han contado. La parte cinematográfica es la menos brillante de la función.

El director no se ha preocupado por la realización pensando que un aspecto televisivo le vendría bien a esta crónica. Tiene algo de razón, pero quizá no debería haber dado a veces la impresión de que los protagonistas estaban siendo observados por alguien al rodar con cámaras aparentemente de vigilancia. Pequeños detalles que no enturbian esta divertida película sobre un tema tan espinoso. Seguramente recibiremos mas satisfacciones por parte de CHRIS MORRIS.

Félix Linares

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Nicholas Ray

Nació RAYMOND NICHOLAS KENZLE hace cien años. No tuvo una infancia fácil, nunca terminó sus estudios, intentó dedicarse a la arquitectura y ni la ayuda del mismísimo FRANK LLOYD WRIGHT le sirvió para llegar a nada.

Con 20 años colaboró con un grupo teatral de izquierdas, realizó en la radio programas de música folk y llegados los años cuarenta empezó a trabajar en la televisión como ayudante de dirección.

Con ELIA KAZAN, a quien conocía de sus tiempos del teatro, saltó al cine escribiendo parte del guión de LAZOS HUMANOS. Poco a poco fue subiendo en el escalafón de los estudios hasta que pudo rodar LOS AMANTES DE LA NOCHE, la desesperada huida de dos jóvenes a los que las circunstancias condenan. La película tuvo éxito por su romanticismo y sus apuntes de crítica social y convirtió a RAY en el director perfecto para LLAMAD A CUALQUIER PUERTA, una película donde aparecía ya la problemática de la juventud rebelde y en la que HUMPHREY BOGART ponía su carisma y su fama al servicio del éxito.

Su tercera película, UN SECRETO DE MUJER, permitió que se conocieran RAY y GLORIA GRAHAME que poco después se casarían. Curiosamente, tras su divorcio, GLORIA se casaría con su hijastro TONY, el hijo de NICHOLAS. Otro título fundamental de esta primera etapa es EN UN LUGAR SOLITARIO, otra vez con BOGART, un thriller sobre un guionista de cine acusado de asesinato.

Los productores creyeron que se había especializado en el cine negro y le encargaron varios títulos protagonizados por actores cercanos al género como ROBERT MITCHUM o ROBERT RYAN, pero en el año 54 se encontró con el guión de un western que le permitió hacer una de sus obras maestras: JOHNNY GUITAR. Esta especie de tragedia griega ambientada en un escenario inusual, con unos personajes arquetípicos y con unos diálogos inolvidables convirtió a NICHOLAS RAY en una estrella en EUROPA, aunque en ESTADOS UNIDOS solo sirvió para que le encargaran otro western, BUSCA TU REFUGIO, que buscaba, sin encontrarlo, el tono de su anterior trabajo.

Pero inmediatamente a continuación llegó a las manos de RAY el guión de REBELDE SIN CAUSA, una maniquea visión del mundo de los jóvenes rebeldes donde los buenos eran los hijos de los ricos y los malos los pertenecientes a las clases bajas. RAY rehizo el guión y acabó filmando la película que conocemos. El estudio no estaba muy convencido del resultado pero el gasto estaba hecho y lanzaron la película. El éxito fue monumental en todo el mundo. Sin embargo la muerte de JAMES DEAN en accidente poco antes de su estreno inició la maldición de REBELDE SIN CAUSA y dejó una profunda huella en el director.

La maldición recuerda que sus protagonistas tuvieron destinos trágicos (DEAN murió en accidente de coche, NATALIE WOOD en circunstancias misteriosas ahogándose en el mar, SAL MINEO fue asesinado junto a su casa, DENNIS HOPPER atravesó un infierno de drogas y locura y algo semejante acabó pasándole a RAY) aunque la historia ha dejado al film como una de las cimas del séptimo arte.

NICHOLAS RAY dirigió a continuación varias películas estimables: MAS GRANDE QUE LA VIDA, LA VERDADERA HISTORIA DE JESSE JAMES, AMARGA VICTORIA, MUERTE EN LOS PANTANOS (durante cuyo rodaje enfermó gravemente y cayó en el alcoholismo) y LOS DIENTES DEL DIABLO que conjugaban equilibradamente sus intereses sociales y políticos y el gran espectáculo del cine de HOLLYWOOD. Por esa fecha SAMUEL BRONSTON montó sus estudios en ESPAÑA y comenzó a producir superproducciones a las que quiso dotar de una pátina de intelectualidad y así contrató a ANTHONY MANN y a NICHOLAS RAY. Este dirige REY DE REYES sobre la figura de JESUCRISTO y aquel EL CID. Ambas tienen éxito y BRONSTON quiso repetir la fórmula con MANN y CHARLTON HESTON haciendo LA CAIDA DEL IMPERIO ROMANO, pero HESTON se negó a seguir trabajando con ANTHONY al que consideraba un cineasta poco dotado para la acción.

En una maniobra fulgurante BRONSON ofreció a HESTON la película 55 DÍAS EN PEKÍN y puso a RAY a dirigirla. El resultado fue una película estimable, otro choque de estrellas, el enfado de HESTON, el despido de RAY y la incorporación de GUY GREEN para terminarla, mientras el protagonista solo quería rodar con ANDREW MARTON, director de la segunda unidad con quien ya había trabajado en BEN-HUR y EL CID.

Tras este despido NICHOLAS RAY se desplomó y empezó un recorrido decadente que le llevaría a abrir un bar en MADRID que le ocupó año y medio, preparar diversas películas que no verían la luz, seguir diferentes iniciativas alternativas para mostrar los cambios políticos que se estaban produciendo en ESTADOS UNIDOS, participar en películas corales, rodar algún corto y encontrarse con WIN WENDERS y trabajar con él en la película RELÁMPAGO SOBRE EL AGUA que contaba los últimos tiempos de su agonía, de manera que la última escena del film es el aventamiento de sus cenizas.

NICHOLAS RAY hubiera asumido aquello que se decía de EL CID: “Señor, que buen vasallo si hubiera buen señor”, pero en su camino solo encontró mercaderes insensibles que mutilaron su trabajo e impidieron el desarrollo de una carrera que podría haber sido gloriosa. Hoy, cien años después de su nacimiento, tenemos sus películas para intuir lo que podría haber sido. Un triste consuelo.

Félix Linares

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Super 8

SUPER 8 es una película tan antigua como el sistema cinematográfico que le da título. Viene de aquellos films que STEVEN SPIELBERG, el productor, rodaba en este formato y de las películas que dirigió y produjo una vez alcanzado el éxito como  GREMLINS, LOS GOONIES o E. T. EL EXTRATERRESTRE en las que niños, adolescentes y jóvenes en general se enfrentaban a amenazas misteriosas y vivían aventuras fantásticas.

Espectador de esas películas en su adolescencia, el director de este film, J. J. ABRAMS, ha decidido unirse a su maestro y hacer una película de ese estilo.

Aquí están de nuevo esos niños empeñados en hacer una película, aquí están los conflictos familiares que redondean el tema central, aquí están las fuerzas que se oponen al objetivo de los héroes, aquí están los monstruos que poblaban sus lecturas y sus pesadillas.

Si vemos la película con los ojos del adolescente dispuesto a sorprenderse con cada giro del guión pasaremos un buen rato. Si somos capaces de descubrir que esos giros de guión son caprichosos e injustificados y solo sirven para hacer avanzar una acción ya intuida desde el principio seguramente disfrutaremos menos.

Entiéndanme, la película está muy bien hecha, con esa sensación de dinamismo que da una cámara en perpetuo movimiento, con cambios de escenario constantes, con continuas entradas y salidas de personajes, con las escenas de acción convenientemente dosificadas y con los detalles cinéfilos que suelen hacer las delicias del espectador habitual de estos trabajos, pero seguramente pesan ya tantos títulos semejantes y el hecho de que no seamos adolescentes dispuestos a enfrentarnos continuamente a la maravilla.

Pero ya ven que este es un problema personal, si tienen ustedes la mirada clara de un niño, o de un desmemoriado, SUPER 8 es su película.

Félix Linares

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